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人物_導演

「對自己誠實」是紀錄片導演最重要的準則。

導演故事\不願放棄的夢想 賴麗君 彭家如
10:09
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導演故事\不願放棄的夢想 賴麗君 彭家如

導演賴麗君在踏入家庭超過十年後,因為孩子的鼓勵,決定再度拍攝紀錄片,賴麗君提到自己的小孩,神情是滿滿的感動與心疼。因孩子有「注意力缺失過動症」,她花費許多心力教育及陪伴,一度放棄自己最喜歡的紀錄片創作工作,成為全職媽媽,這期間的許多挫折,讓她在拍攝《#神戲》時,對主角安妮的處境有有更多的共感與投射,甚至在拍攝過程中,也療癒了自己。 遇見《神戲》的主角阮安妮,其實是誤打誤撞,原本賴麗君要為電視台做一系列新住民的短片,鎖定的是一對做黑手的姐妹,沒想到跟移民署要名單時對方夾錯,夾成了阮安妮,便促成了這段美麗的際遇。而在《神戲》回嘉義牛斗山放映時,看見家鄉藕農一雙雙變形的手、聽見農民稱自己的手是「怪手」,賴麗君心中油然不捨,便決定要回鄉拍攝《老鷹之手》,她説,這兩個題材都不是自己刻意去找的,彷彿冥冥中自有注定。 另一位導演 #彭家如,因為拍攝《#老鷹之手》,便搬到了嘉義定居。「所有事情是在對的時刻,碰到對的人,發生對的事情,我後來就是覺得拍紀錄片就是這樣。」彭家如說,拍攝時他都有一種「被召喚」的感覺,最開始時,他台北嘉義兩地往返,過程中彷彿把他的某種價值觀喚醒,他發現,台北的都市生活並不比嘉義適合他,直到現在,這裡仍是他感到舒適自在的地方。 《老鷹之手》自2021上映,至今已兩年,訪談時兩位導演故地重遊,遇到熟識的藕農仍是溫馨的閒話家常、親近熱絡、彼此關懷,或許真如賴麗君導演說的,拍攝紀錄片帶來的,不是物質或是金錢上的回饋,而是只要你願意真心投入,它會帶給你意想不到的、無限的能量。(文/王姿佩) 🛑賴麗君小檔案: 1974年生於嘉義牛斗山村,文化大學大眾傳播系畢業,紀錄片導演,作品常以新住民、傳統藝術為題材。2002年為公視攝製紀錄片《山腳下的四庄番》,入選南方影展觀摩片,2013年拍攝新住民紀錄片,因緣際會下認識了戲班當家花旦安妮,促成《神戲》的誕生,該片於2016年獲得金穗獎一般組優等獎。之後返鄉拍攝《老鷹之手》,獲得2021年坎城世界影展最佳紀錄片及最佳女性導演。 🛑彭家如小檔案: 1963年生於台南,東海大學建築系、紐約視覺藝術學院,現為導演、攝影師。80年代與友人合拍多部社運紀錄片,亦參與楊德昌的電影製作,1995年拍攝《台灣軍人》擔任導演、攝影,獲金穗獎最佳紀錄片,與賴麗君共同執導的《神戲》於2016年獲得金穗獎一般組優等獎,2021年《老鷹之手》攝影,獲坎城世界影展最佳攝影獎。 ━━━━━━━━ • 更多訪談 ❚ YT https://reurl.cc/e9Lb1x ❚ IG https://reurl.cc/mDaN37 ❚ WEB https://www.1imageart.com/ ━━━━━━━━ #一影像 |#紀錄片
導演故事\搏命的印記 劉佩怡
06:14
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導演故事\搏命的印記 劉佩怡

「我們就想說用一個不同的方式記錄,幫這些女性的癌友拍一個攝影展,讓她們第一次有機會被人家做造型、化妝,在她們能接受的範圍內,當時並不知道她們願意坦露多少,然後把她們這個身體印記拍下來。一開始我們也很忐忑,我們總是從自己想說如果是我一定不願意,沒想到跟她們接觸之後反應熱烈,她們很勇敢,也很大方,甚至讓我們覺得,她們很想幫自己人生的這個過程有一個記錄。」--《勳章》導演劉佩怡 《勳章》是一個關於傷疤的故事,是女性癌友在與病魔搏鬥後,刻畫在身體上的印記。 因著一場攝影計畫,攝影家李毓琪透過訪談與她的鏡頭,帶領觀眾認識參與計畫的女性癌友,有人笑稱自己的疤痕是因為大腿跑到嘴巴裡,也有人在棚拍的過程中放聲大哭情緒釋放;就這樣慢慢深入她們內心幽微的角落。 經由坦誠對話,深度激盪,影片訴說著傷疤背後的故事,直面她們生命的難處。一道道傷疤,標記著她們曾經經歷過的戰役:「這個疤,就是這些陪伴我度過這些日子的戰友,一個夥伴的感覺,然後也是我成功熬過那些日子的一個紀錄。」「我可以很驕傲地說,我現在是少校,我已經從尉級升到校級了,是勳章啊!了不起的耶!」。 劉佩怡小檔案 美國密西根大學電影研究所畢業,回台後從電視台小執行開始,自此踏入鏡頭後的世界,歲月匆匆在出外景和剪片中交錯而過,現專職紀錄片的拍攝製作。 作品有《藍色肩膀》、《午後書房》、《有一個島》,《潛入隱沒帶》等十餘部。
導演故事\創作是獨而不孤的 張皓然
05:04
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導演故事\創作是獨而不孤的 張皓然

「如果你今天是再一個創作路上,不論你是歌手或是劇場演員或是一個影視工作者,你在某種創作的過程裡面,必須都會面對到這一個你只有自己的時刻,其實《獨弦之歌》的獨,就是這個事情。」 《獨弦之歌》導演張皓然 「南管音樂的合奏,至少要四個人,但我再演奏,常常找不到固定合作的四個人。常常三個缺一個,甚至一個缺三個。無人合奏的時候,我自己談著琵琶,聽著琵琶的單音,突然,讓我有一種從來沒有的感覺,就是,空。」這是南管音樂家王心心在片中的獨白,《獨弦之歌》描述這位來自中國泉州晉江附近小農村的她,自幼學習南管,2003年成立心心南管樂坊,致力於突破南管傳統,以琵琶獨奏開啟一個人的劇場。 最新代表作白居易的《長恨歌》,由編舞家林懷民擔任藝術總監。導演張皓然用他獨特的鏡頭語言,記錄王心心為了詮釋這史詩鉅作,必須拋開南管固有的技法與曲牌,為了生命中熱愛的藝術,在破壞與創造間掙扎;用一個比較文學性的方式,去呼應這段從傳統到現代的一個結構性改變,同時在生命歷程中開啟新章節的過程。 張皓然小檔案: 是導演也是攝影師,1983年出生,國立台灣藝術大學應用媒體藝術研究所畢業,作品類型橫跨紀錄片、劇情短片、廣告、劇場等領域。曾於德國電視台DWTV製作專題報導,擔任製片與攝影,也數次為雲門舞集執行影像攝影工作。作品《如歌的行板—瘂弦》獲得2015年台北電影節最佳攝影。
導演故事\被遺忘的記憶 劉建偉
06:06
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導演故事\被遺忘的記憶 劉建偉

「這件事情如果一開始是抱著人道的精神,知道我們有能力手心向下,然後願意去做這件事情的時候,這些良善價值它其實是可以被存留下來,因為這是世界的共同普世價值;可是它當只是作為一種政治宣傳,當這些人失去價值的時候,政府就不會再去談這件事情,然後就被就被遺忘掉了。」-《彼岸他方》導演劉建偉 年輕時在澎湖當兵的導演劉吉雄,因著一段形而上的因緣,帶著也是導演的弟弟劉建偉,從2003年便開始記錄並尋找這個曾經存在當地,卻有意被遺忘的歷史事蹟。 70-80年代的台灣,《南海血書》是當時人共同的記憶,即便事後被證明是威權時期杜撰的宣傳樣板,但漂流海上的越南船民卻是真實地存在,在當時的政治氛圍下,在澎湖由軍方宿舍改建的難民營,暫時收容了這些難民,安定了他們的驚恐與絕望。 隨著冷戰結束,政治宣傳目消失,難民營也已拆除,遺跡遭到抹去,《彼岸他方》尋找到當時居住在難民營裡的人物,回顧台灣這段冷戰時期的歷史,藉由珍貴的史料與多年持續追溯,揭開難民營中的各種面貌,並跟隨散居全球的當時難民,一起回到他們生命中曾經停留的澎湖,重新接觸這一段鮮為人知的歷史。 劉建偉小檔案: 輔仁大學大眾傳播系廣告組畢業,現職導演與製作統籌。 1998年,導演短片《沒參加》獲選台北電影節最佳實驗片,並曾受邀美國日舞、溫哥華等國際影展。曾任自由編導、攝影指導,執行廣告、劇情片、電影短片、紀實影片。曾經製作Discovery Channel《台灣人物誌》記錄片,包括林懷民黃海岱等人,數位電影《高校有刀》,生態紀實《草木戰役》,導演紀實長片《微光時代》等。
導演故事\部落在哪家就在哪 潘志偉
06:04
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導演故事\部落在哪家就在哪 潘志偉

#導演故事 部落在哪家就在哪 #潘志偉 「我比較會回想到就是童年的時候,在石梯港的那些生活經驗,就是住在那種柏油路的屋頂啊,然後木造的房子,可能颱風的時候會喀啦喀啦響,隨時都會倒塌。可是那一刻大家都不會在各自的房間,會大家睡在客廳,然後緊緊地相依在一起,我覺得這種相依在一起的依賴的感覺就是家吧。」 --導演潘志偉 「MARO’ AY TO KO KERAH」是指潮汐之間有個安靜時刻,許多海地生物會找到自己的歸宿。 由於溪州部落舊址涉及行水區安全,必須拆除重建;但對於部落族人而言,這裡無論火災或是淹水,都是他們的家。族裡的老人說,石頭是一種承諾,以前沒法劃分土地位置的時候,便用石頭來區分你的我的。當初他們也從花蓮帶了顆石頭來溪洲部落這裡,承諾會永遠住在這個地方,如今它們將搬入距離舊址100公尺處重建部落。 「搬與不搬」產生兩派不同意見,張祖淼,在溪州部落落地生根的第二代,一個沒有族名的阿美族人,面對分歧,承擔起部落事務。最終,就在搬遷後的第一個豐年祭,也是因疫情久違了的豐年祭,通過儀式與祖靈對話,即便之前不同派系爭爭吵吵,在那一刻,大家圍在一起,凝聚在一起,部落在哪裡,家就在那裏。 🔴潘志偉小檔案 1988年生於花蓮豐濱,阿美族人。2011年以劇情短片《情書》入圍高雄國際電影節國際競賽類、國際學生金獅獎。2016年以《我叫慕谷思.阿鄧》獲第七屆台灣原住民文學獎小說類第二名。導演作品《部落|對話》入選「部落電影院」放映。《偷車賊》獲屏東國際旅遊電影節首獎,《阿狗》獲金甘蔗影展最佳導演,現為自由工作者。 #一影像 #導演故事 #公視紀實 #何處是我家 #紀錄片 #溪洲部落
導演故事\紀錄消逝中的歷史 李立劭
05:36
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導演故事\紀錄消逝中的歷史 李立劭

「因為這一切都在進行,那這樣子的都市的計劃下,那種歷史樣貌的毀滅,是人類進展下好像是必要之惡,但是我們做創作的,影像尤其是紀錄片能做的應該就是把它記錄下來,然後呢,用不同的角度去說他去辯論他。」 --《當飛機飛過》導演李立劭 韓戰老兵來到台灣成了反共義士,與排灣族的公主結合,在桃園空軍基地旁的眷村繁衍三代人,這裡曾是日本神風特攻隊起飛的桃園飛行場,也曾是黑貓中隊駐紮的地點,歷經了二戰到冷戰至今八十餘年。因著桃園航空城的開發,這一切的地景與記憶將消失殆盡,走入歷史。 就在搬遷前夕,老兵走了,已經廢棄的眷村成了生存遊戲玩家的戰場,全副武裝穿梭在火熱的bb槍聲中,幾公尺外卻也有人在拍著唯美的沙龍照,這樣如夢境的恍惚,有如台灣這些年的面貌,戰爭彷彿近在咫尺,卻也仍然歌舞昇平。 導演李立劭用鏡頭,陪伴著即將搬遷的這一家人,面對著家園即將被剷平,他們關心的是家人如何繼續生活,記憶如何留存,至於國族認同什麼的,那一切都不重要,畢竟國家與族群是一種政治的匡列,是分類的結果,而家,才是血脈的直接感受,是永遠不變的。 導演李立劭小檔案 世新廣播電視畢業,北京電影學院導演研究生進修。曾任國家電影資料館研究員,紀錄片攝影師,東森電視製作人與編導,大愛電視製作人與編導,公視紀錄片自由編導。 1999年開始拍攝紀錄片、專題片至今,共約20多片長短紀錄片作品,曾四度獲臺灣金穗獎,四度獲台灣地方志影展獎項,四度入選台灣國際紀錄片雙年展,三度入圍台北電影節以及其他國外影展獎項,紀錄片方面曾入圍金鐘獎及台灣國際兒童影展,並已《公視紀實—獨舞者的樂章》獲得第56屆電視金鐘獎非戲劇類節目導演獎。
導演故事\創作 來自於人生軌跡 袁廣鳴
09:33
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導演故事\創作 來自於人生軌跡 袁廣鳴

一如所有剛接觸藝術的學生,袁廣鳴也曾感受到在過去大師們的陰影下,有過的瓶頸。然而,隨著閱歷過運用許多不同媒材的國際藝術家作品,他逐漸打開眼界,放手進行各種實驗與測試,一步一步地開拓屬於自己的風格。 袁廣鳴認為,創作的靈感來源是非常神秘的。它融合了袁廣鳴的所見所聞,在冥冥之中拉著他的衣袖說:「做我,做我。」他便開始靜下心來,整理著平日所關心的、所想的事物,同時挑戰自己運用從未運用過,或鮮少人使用的表現技法。他以象徵及暗喻,將個人的感官經驗,及所觀察到人們在地球上的活動軌跡,透過錄像結合裝置,營造出沈浸式的氛圍,帶領著觀眾一同探討著人生百態。 袁廣鳴早期的作品多以喚起感官經驗為主。第一件錄像作品《關於米勒的晚禱》將《晚禱》結合聲音、錄像及雕塑,讓人宛若走入米勒的繪畫世界;《盤中魚》及《難眠的理由》則是將錄像投放於雕塑及現成物,令觀眾感受到魚在盤中游不出去的不自由與失眠的煎熬。 隨著創作的資歷增長,袁廣鳴逐漸關注於人們於世界上存在的狀態。《人間失格》系列將城市中的人都消除掉,除質疑著沒有人的城市是否仍擁有城市的資格,亦使數位藝術有著更多元的變化;《逝去中的風景:經過》系列由「家」出發,記錄著與家人相處的情景,結合鄰家的廢墟場景,探索著建築物在大自然的力量下,從繁華到衰敗的過程,感受到現在、過去及未來共存的空間;《棲居如詩》更是將「家」作為社會的縮影,暗喻著日常生活中所潛藏的憂患;同樣有著爆炸場面的《明日樂園》則運用遊樂園不承載情感與歷史的特性,象徵地球這顆看似如樂園熱鬧好玩的星球,卻存有著不少災難。 為更能充分表達作品的意涵讓觀者有更多互動的機會,袁廣鳴非常注重如何發揮媒材的特性,使得作品形式別出心裁。在《異鄉人》中,袁廣鳴利用高速攝影機及高亮度的手電筒,在火車進站過程中拍攝等車的新住民旅客,令畫面呈現出在動態的錄像中,新住民們都像是一張張靜止的肖像照,暗喻著他們在人生旅程移動的過程中,度過看似無盡的鄉愁與辛勞。而觀者可以更清楚的、正視的看著這些同樣也生活在台灣的人們。 對於袁廣鳴而言,藝術不需要有任何目的性,因此它也沒有任何框架與限制。創作是最能自由表達自己與世界間交流的媒介,能經由美學的訓練與工作,掌握對於形式與觀念的契合度來創作,是很珍貴的一件事。 小檔案: 袁廣鳴是早期台灣錄像藝術的先鋒,自1984年開始從事錄像藝術創作,也是目前台灣活躍於國際媒體藝術界中知名的藝術家之一。1997年畢業於德國卡斯魯造型藝術學院,獲得媒體藝術碩士學位。目前任教於國立台北藝術大學新媒體藝術學系教授。 他的作品以象徵隱喻、結合科技媒材的手法,深刻傳達出人們當下的生存狀態,並且對人的感知及意識有著極具詩意的深入展現。1988年在校期間即以錄像雕塑作品《離位》獲得第13屆雄獅美術新人獎的佳作;1992年的錄像裝置作品《盤中魚》展出後,隨即獲得台灣藝術圈高度肯定並獲得台北縣美展首獎;1998年的互動裝置《難眠的理由》則榮獲第一屆「數位藝術紀」的評審特別獎;2002年「人間失格」系列作品更奠定了在台灣當代媒體藝術界中不可動搖的地位。 2007年《逝去中的風景》三頻道錄像裝置,開始以個人的「居家日常」及「廢墟」開創出一種迷人的劇場式日常。2011年個展「在記憶之前」,持續對於「家」的探討,並擴及到「廢墟及自然」的領域,更以多元形式呈現以「時間與記憶」、「身體與感知」為主題的大型系列創作。2014年個展「不舒適的明日」由「家」的議題延伸至當今在全球化底下的在地生存處境的探問,思辨現代人的困頓與憂懼;此展並榮獲第13屆台新藝術獎「年度最佳展覽入選獎」。在2018年個展「明日樂園」中,直指未來的家已不再是穩固的概念,作品環繞著「戰爭的日常化」與「日常的戰爭」為主軸,呈現當代的生存狀態及不安。此展並於2018年受邀於英國海沃德美術館展出。 袁廣鳴受邀參與大型國際展覽不勝枚數,其中包括「愛知三年展」(2019)、「第一屆曼谷藝術雙年展」(2018)、「法國里昂雙年展」(2015)、「福岡亞洲藝術三年展」(2014)、「澳洲亞太當代藝術三年展」(2012)、「新加坡雙年展」(2008)、「英國利物浦雙年展」(2004)、「紐西蘭奧克蘭三年展」(2004)、「第50屆威尼斯雙年展」台灣館(2003)、「漢城國際媒體藝術雙年展」(2002)、美國舊金山現代藝術美術館的「01.01: Art in Technological Times」(2001)、「日本ICC1997媒體藝術雙年展」(1997)、「台北雙年展」(2002、1998、1996)等。 作品也受多所國內外美術館典藏,也曾擔任台北市立美術館典藏委員、台北獎、台北縣美獎、公共藝術、威尼斯雙年展台灣館,及美國亞洲協會美術獎評審等 創辦人:馬立群  採訪:黃楚涵 剪接: 喻子庭 作品提供:袁廣鳴 場地:凹焦影像工作室
導演故事\沈默的凝視 黃信堯
11:40
導演故事\從鳥開始 梁皆得
08:38
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導演故事\從鳥開始 梁皆得

梁皆得導演自幼在農村中看見許多鳥,便因此對鳥產生興趣。先後參與過許多鳥會的拍攝活動,以及紀錄片的工作等,他發現除了能透過生態紀錄觀察到喜歡的鳥類以外,是否也能在這過程中,探討人和環境共存的議題? 自《老鷹想飛》開拍以來,梁皆得導演發覺人們在這塊土地上的一舉一動,都會影響到野生動物的數量及生活習慣。決定往後的紀錄片,都要設定跟環境相關的議題,希望能透過傳播媒體的力量,讓民眾不但能注意到台灣有如此美麗的鳥類,並一同守護野生動植物所生長的環境,因為人也是屬於自然的一部分。梁皆得導演深信,以友善的方式對待大自然,也是善待人類的生活。 小檔案: 彰化縣福興鄉人,國中時加入台中鳥會,因此對攝影產生興趣。曾擔任中央研究院動物研究所劉小如博士的助理,一同參與許多生態拍攝計畫後,便開始從事生態紀錄片導演工作。先後拍攝《ㄉㄨ ㄉㄨ ㄨˋ:蘭嶼角鴞的故事》、《草山鷹飛》及《菱池倩影》等紀錄片,皆榮獲金馬獎最佳紀錄片提名。 2015 年上映的《老鷹想飛》,不但使民眾開始關注農藥濫用議題,並協助推廣友善農業。2021 年上映的《尋找神話之鳥》,主角為馬祖縣政府委託的拍攝過程中,無意間拍攝到瀕臨絕種的黑嘴端鳳頭燕鷗,此舉更是受到國際鳥友及鳥類研究會的矚目。
導演故事\存在的本質 牛俊強
08:02
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導演故事\存在的本質 牛俊強

存在的本質|錄像藝術家 牛俊強 牛俊強,從建築踏入藝術,成為視覺藝術家。在嘗試各種媒材後還是情歸於錄像。從探索自己出發,擴延至人與人之間的「關係」,探索存在於生活中不可見的交會;人與人之間微妙的牽連;乃至更大的「無形」,從個人擴及群體生命意識,擅長以各種不同形式創作,做出細膩而宏觀的提問。 其作品由叩問自身延展至以「視覺作為一種存在的形式」確立主軸,於「2018年牛俊強個展」時臻至大成。作品類型以錄像為主,並包括實驗影像、攝影與複合媒材裝置等,在闡述「存在的本質」這條藝術之路上,不斷嘗試更開闊的創作與突破。 小檔案: 牛俊強,畢業於實踐大學室內空間設計學系、國立台北藝術大學科技藝術研究所。目前工作創作於台北,任職實踐大學媒體傳達設計學系專任助理教授。 曾於國內外美術館與影展發表作品。影像作品《即使她們從未相見》獲頒第 35 屆金穗獎最佳實驗片。曾參與鹿特丹國際影展金虎獎短片競賽、FAFF錄像藝術節、英國Osmosis 錄像藝術節、美國Pixilerations新媒體藝術展、紐約 cutlog 藝術節、西班牙Aguilar影展、法國Tours亞洲影展、法國ARTchSO錄像藝術、 日本東京Interdisciplinary 藝術節、韓國光州ACC Asian Arts Space Network Show、兩岸四地藝術交流計劃、台北金馬影展、台北美術獎、台灣國際錄像藝術展、台北電影節等國內外藝術節和影展展出。 作品亦在柏林、伊斯坦堡、特拉維夫、俄羅斯、墨西哥、首爾、北京、深圳等國際重要城市發表。曾獲頒第53屆美國休士頓國際影展最佳實驗電影,第42屆金穗獎最佳實驗片,第35屆金穗獎最佳實驗片,及第十七屆台新藝術獎入圍,《神的影子》獲提名「2021倫敦IFF獨立電影節」最佳外語紀錄片,和最佳外語紀錄片導演。
導演故事\世界可以更好嗎 盧彥中
09:41
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導演故事\世界可以更好嗎 盧彥中

盧彥中極其享受拍攝紀錄片期間、四處與人談話交際、融入當地的鬧熱節奏,以及進入後製時期關在工作室獨自挑選素材、剪片的美妙孤靜──如此兩極的、跳躍式的生活模式,為盧彥中所珍愛。 而他回頭去望自身童年,赫然發覺他是深受土台客爺爺與日式知識份子外公的影響。前者總是帶幼齡的他到處拜拜,講各種鄉野奇譚、幻麗故事給他聽,也就養成了盧彥中理解世界的方法。外公的學養風範,則導致他對藝術家抱有興趣。 畢業後,盧彥中先後跟隨黃明川、劉建偉、陳芯宜等紀錄片名導,擔任助理工作,期間對諸多藝術、文學大師,包含羅伯.威爾森(Robert Wilson)、林麗珍、林惺嶽、陳芳明進行拍攝,但盧彥中總是無法被這些人深刻觸動,於是他開始轉而追尋自己心目中的藝術家,如其作品《瘋顛狂書道班》中的軻三、《南島盛艷之花》被攝對象柳依蘭。 在軻三的書道班裡,盧彥中看到他讓鄉里間,諸如角頭、屠夫、退休的人、一般家庭主婦,甚至是7歲的國小學生都能在那邊唸詩、寫書法,紮根於市井生活裡。盧彥中認為這才是他的理想藝術家。盧彥中企圖以自身的眼光、理解與追索,去更新藝術家的定義──藝術不必在廟堂,就在江湖中、日常裡可覓可得。 而出身於菜市場的柳依蘭,以自畫像聞名,等身大、高吊在展場中、以龐然的眼珠俯瞰、讓觀者無可遁逃的畫作,有的拿花,也有拿骷髏頭,或與先生綁在一起中間有鎖,乃至柳依蘭跟她先生同困魚池等等塑造。對盧彥中來說,那些巨大自畫像彷若佛殿中的唐卡。尤其橫跨五聯幅的〈一個藝術家的愛.慾〉,藝術家更是將自我擴展至最大,使得盧彥中對其好奇不止,同時想要探詢究竟自我為何物。 至於以著名廣播人吳樂天為主角的《就是這個聲音》,主要是盧彥中想要追憶童年時的味道。在他少年時,幾乎人人聽吳樂天、簡直是背景音樂。他一邊紀錄吳樂天傳奇事蹟,一邊也想要重現過往時光新鮮活辣、充滿動物性的感官世界。 近作《開水喇嘛》起因於與盧彥中形同家人的貓火化後有舍利子,唯在台灣佛教系統裡,畜生不可能成佛。於是他向著外境求解,一路到了圖博區域。起初他對幾萬喇嘛們成天在山上念經完全不解,並不認為只要誦念就能讓世界變得更好。但在上師只要多一個人出家、也許世上就少去一個壞人的言談裡,盧彥中領悟到自己祇是以有限的眼光在對待世界。面向堅信每個人生來都是佛的藏傳佛教,盧彥中也就深沉感應到自己的宇宙觀被打開。 小檔案 盧彥中,Adiong LU, 台灣嘉義人,1984年生。一生謹記阿嬤囑咐之「肯種不畏無田犁」。作品有《今天我明天誰》、《你家是個動物園》、《南島盛艷之花》、《在光中》、《就是這個聲音》、《塩埕區長》、《開水喇嘛》等。善藉私民野史、藝術者、喧鬧者之日常描繪,挖掘漫漫人世之精神共業。鬧中取靜。2017年以二瘋僧之名,成立寒山拾得有限公司。現為盧鉢之父。 創辦人/導演:馬立群  監製:王姿佩  採訪:沈眠 攝影:馬立群 剪接:徐珮珊 作品提供:盧彥中 場地提供:寒山拾得有限公司
導演故事\書寫社會的陰晴圓缺 李惠仁
12:00
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導演故事\書寫社會的陰晴圓缺 李惠仁

李惠仁2004年開始專注台灣禽流感疫情,拍攝《不能戳的祕密》揭開政府防疫漏洞。拍攝過程獨立採集死雞樣本、送檢,並透過專家學者的協助,一層層解讀政府、學者、雞農之間複雜的權力關係與隱瞞的真相。 近期作品《蘋果的滋味》、《并:控制》、《自由.飛》同時關注台、港、中媒體生態與民主發展,以紀錄片形式記錄這個時代的政治、經濟樣態。 《蘋果的滋味》藉由蘋果日報探討台灣媒體界生態的變化,並解讀狗仔文化對新聞製作的影響。拍攝過程中適逢台灣反媒體壟斷運動,進而揭露媒體背後的政治運作。 在《并:控制》中,李惠仁開始關注香港回歸中國二十年後的政治局勢變化,片中他藉由視障朋友的視角,以更為銳利角度揭露香港生活的變化。特別是對資訊控制的層面,他揭露了由政治的機構控制、人民之間的相互控制,再到個人的自我審查等不同控制階段的運作。 《自由.飛》記錄香港反送中事件,藉由香港追尋民主自由的運動,連結台灣戒嚴時期的民主運動。李惠仁坦言,台灣的民主還很幼稚,民眾普遍漠視政治對生活的影響,對於台灣民主得來不易的歷史發展,時常是健忘的。他希望透過紀錄片的方式,將這個時代與過去的歷史連結,保存台、港、中三地的歷史拼圖,提醒人們不要忘記民主的可貴。 小檔案 李惠仁,1969年生,為台灣知名紀錄片導演。李惠仁大學就讀實踐大學服裝設計系,畢業前決定退學。在服兵役期間進入空軍電影隊,開始接觸影片製作。退伍後進入傳統新聞媒體擔任攝影記者,40歲決定辭職,成為獨立紀錄片導演,成立李惠仁電影工作室。 作品《睜開左眼》榮獲2010年世界公視大獎INPUT BUDAPEST,《不能戳的祕密》榮獲卓越新聞獎,《不能戳的秘密2:國家機器》榮獲2014年台北電影節百萬首獎,作品獲獎無數。 ┄┄┄┄┄ 創辦人 馬立群 監製 王姿佩 採訪  莊勝涵 剪接 徐珮珊 作品提供 李惠仁 場地提供 DOTEL #一影像專訪 #李惠仁 #紀錄片 #導演
導演故事\生命的壯遊 黃嘉俊
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導演故事\生命的壯遊 黃嘉俊

學影像製作出身的黃嘉俊,原本打算退伍後要前往美國深造電影,但軍中生涯因921大地震發生後,前往救災,而有了截然不同的體悟與轉向。處在救災現場的他,眼前的煉獄景致開始讓他思考生命的價值究竟為何。親眼目睹災民的重建、修復過程,也黃嘉俊對生命的脆弱與堅強,有了一番深刻的感受,視野全然地被打開。於是,黃嘉俊對人產生了興趣,投身於紀錄片創作。 黃嘉俊想要再多凝視、傾聽不同人的故事,實際上參與被攝者生命裡頭的其中一段,也使得他如若多了另一截人生。黃嘉俊認為,每個人生命的寬度或深度都有限的,然則藉由紀錄片,它能夠真實地體驗到千百樣生命的模樣或生活的可能。且紀錄片的保存期限相當長,只要沒有另外一部片能夠凌駕已有作品的高度,它就會持續地觀看、討論,久遠地發酵,黃嘉俊深信這是紀錄片最大的價值。 他的第一部長片是《飛行少年》,主角們是安置機構裡面的孩子,由於身份比較敏感,過去幾乎罕有能夠進行拍攝的機會,大多必須馬賽克、變聲和化名處理。黃嘉俊沉痛地說明,在以菁英教育為主的現有體制下,有一些少年在不斷的分類與篩選下,落到最後方最下面,被人忽略,但這群人不會消失,他們終究存在,這是社會不得不面對的真相,因此萬分需要更多人去正視其人生。是故,黃嘉俊決心長期深入花蓮,與青少年們相處,在《飛行少年》裡探討青少年的成長與犯罪議題,他們跟家庭還有學校之間的關係等等。 而以罕病孩童爸爸所組成的搖滾樂團為主角的《一首搖滾上月球》,則是黃嘉俊對家庭、親情的在場目擊。他直接走進別人的家居日常,眼見那些情感在生死與共的相處或激烈摩擦中,一點一滴日積月累地醞釀、生長,察覺到父母的愛有多深、多濃。黃嘉俊也因此瞭解,人夫、人父這樣的角色是有意義的,他最後也選擇了結婚生子的道路,脫離原有熟悉與安逸的狀態,勇猛地踏進另一種的人生風景。 新作《男人與他的海》的被攝者,是海洋文學作家廖鴻基和水下鯨豚攝影師金磊,黃嘉俊跟著不同世代的兩人,深入海洋,包含2016年與廖鴻基執行黑潮漂流計畫,在台灣的東部,乘筏於太平洋上,隨著黑潮從南到北,漂流7天。黃嘉俊在海中見證了海洋的美麗,以及哀愁,如海底垃圾、海洋污染、魚與珊瑚的消滅。黃嘉俊以為海並不如一般台灣人認定的那般可怕、危險,只要海洋的能力與知識增進,其實海是安全的。他明白,海對台灣人而言是距離非常靠近,唯心理又是無比遙遠的領域,因此總是習慣性地恐懼海洋、背對海洋。但潛水等相關的海洋能力,都讓黃嘉俊對海有更多的感受,並思索著海洋與自身、台灣人的關係。《男人與他的海》對黃嘉俊而言,無疑是生命的壯遊。 小檔案 黃嘉俊,1974年出生,外號黑糖,世新大學廣電系電影組、台灣藝術大學應用媒體藝術研究所MFA。在紀錄片、廣告及戲劇拍攝工作之餘同時進行劇本、電影及純藝術創作,對人與社會的題材有敏銳的觀察。因為經歷921地震現場救災,讓他開始投入紀錄片拍攝創作,作品風格溫暖清新,卻有深刻沁人的厚度力量。黃嘉俊從事台灣影視幕後工作已有十年以上的資歷,擅於發掘無人接觸的新穎題材,以平易近人的創作風格,呈現自身對社會人文的細膩觀察。 2008年成立黑糖媒體創意公司,專事紀錄片、電視節目、廣告短片製作,同年推出個人首部紀錄長片《飛行少年》,獲頒台北電影獎最佳紀錄片;爾後作品也常受國內外影展好評。2013年,《一首搖滾上月球》也獲得了台北電影獎最佳觀眾票選獎及金馬獎最佳電影原創歌曲獎。作品另有《來得及說再見》,以及即將在2020年上映的新片《男人與他的海》。
導演故事\努力成為自己 楊力州
08:59
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導演故事\努力成為自己 楊力州

楊力州生於彰化,其父親在農村裡以肖像畫為生活工具,一心想成為畫家,楊力州回憶他童年老家的客廳,總是擺滿50張以上未完成或已完成的遺照。耳濡目染下,楊力州從小也喜歡畫畫,一路升上復興美工,大學也是就讀美術系。唯漸漸的他就明白父親跟藝術界畫家的差異。大學時代因為繪畫比賽獲8萬元獎金的楊力州,買了人生第一台攝影機,從此他不再畫畫,脫離美術世界。 會有這樣的轉變,主要是因為楊力州開始接觸大量的電影,並著迷不已。尤其是台灣紀錄片導演吳乙峰描述白化症的《月亮的小孩》,觸動並啟蒙了楊力州,發現世界有一群人渴望被別人認識、知道他們是誰。 畢業後,楊力州在復興美工當了兩年老師,但對於將來的可預期感到不安,想到自己就要教書一輩子,人生的牌如此確定攤在眼前,毫無未知,30歲的他乃毅然決然離職,前往國立臺南藝術學院(現為國立臺南藝術大學)學電影。 多年後,2019年上映的《紅盒子》,主題是布袋戲傳承與父子關係,但楊力州自言,隱性子題是人如何成為自己。他坦率表示,他跟《紅盒子》的陳錫煌其實都一樣,想要成為自己,不活在父親的陰影下,只是他在大二時走向與父不同之路,而陳錫煌要到76歲時才邁向自我之途。且楊力州另有所悟,關於父親對他的期待,或是他自身的想像,是他少年時想要成為父親所期待成為的樣子,根本不是父親加諸於他。 因緣際會下,楊力州展開老人命題的紀錄片創作,一為失智失能老人的《被遺忘的時光》,楊力州企圖紀錄、呈現他們的世界的真實,與常人的世界的真實,彼此之間的巨大落差。另一則是老人家跳舞的《青春啦啦隊》,反向地看望健康老人如何走向晚年。兩者分別從不同角度捕捉、凝望老人的生活現狀與樣貌,楊力州希望能有更多的面向理解老人群體日常。 拍攝紀錄片時,楊力州會全神投入現場,拍完有難以抽身之感,他認為自己太難說再見,所以會持續關注被攝者後來的狀態,包含《奇蹟的夏天》那群踢足球的國中生們。楊力州提到,《奇蹟的夏天》首映後,對他們說過的一番話耿耿於懷多年,因為他在當下的勉勵是要年輕人們努力踢足球,但楊力州心知肚明台灣並沒有良好的足球環境。 7、8年後,楊力州前往台中觀看世足會外賽中華隊對越南隊,即便中華隊輸了,但在場11位足球員中有4名國手是《奇蹟的夏天》裡的中學生這件事,對楊力州而言,就已經是勝利了,至此,楊力州心中才能舒坦,不再感到愧疚憂愁。 小檔案 十五歲時希望可以成為畫家,卻在二十五歲時成為老師,本來以為會一直教到六十五歲退休,沒想到三十四歲時得到金鐘獎,接著三十七歲得到金馬獎,之後成為想都沒想過的導演。也因為拍片,他成為別人眼中的體育政策、老人議題、東南亞政策、偏鄉教育的專家,但其實他只會拍片,只喜歡好好說故事。 其紀錄片作品有《紅盒子》、《我們的那時此刻》、《拔一條河》、《青春啦啦隊》、《兩地:他們在島嶼寫作系列—林海音》、《被遺忘的時光》、《征服北極》、《水蜜桃阿嬤》、《奇蹟的夏天》、《新宿驛・東口以東》、《飄浪之女》、《我愛(080)》、《打火兄弟》等。 創辦人/馬立群 監製/王姿佩 採訪/沈眠 攝影/馬立群 後製/賴炫佑 作品提供/楊力州 場地提供:後場音像紀錄工作室有限公司 🎥官網 https://1imageart.com/ 🎥Youtube高畫質: http://bit.ly/2PVoJHu 🎥更多導演專訪: https://www.1imageart.com/cover-people #導演 #紀錄片 #一影像 #楊力州
導演故事\台灣的鬼魂 廖建華
07:45
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導演故事\台灣的鬼魂 廖建華

高中時就寫詩的廖建華,對創作原就抱有高度熱情,大學時期他就讀工程科系,畢業之際對此生就要成為工程師感到迷惘與不安,而後開始接觸台灣新浪潮電影,對影像十分感興趣,研究所也展開相關的創作,包含拍系上工友的紀錄短片《移動的日晷》,以及與同學合作的《千甲》,探討社區支持型農業和都市原住民的生存處境。 廖建華坦言拍片的動機,其實是意圖擺脫成為工程師的生涯,想要以創作為生,而《末代叛亂犯》才是他的第一部作品,完全出於他的意識與掌控下的創作。之前的兩部比較是習作,但也讓他在實作中與各式錯誤裡獲得良多。 《末代叛亂犯》的主題是1991年5月發生的「獨台會案」,逮捕四名青年,並處以唯一死刑,而後引發社會各界的聲援,並在台北車站進行抗議,最終迫使立法院在九日內廢除了施行長達42年的懲治叛亂條例。廖建華經由影像重現該案的過程,以及後續的發展,進行多位相關人物的深入訪談,其中也有許多後來成為立委與部長的人物。 廖建華表示,以知識份子為主、進行公共領域回溯的《末代叛亂犯》,如同他的啟蒙,讓他看見且能深入更多自己所不知道的台灣,並從而察覺自己的關懷══在歷史、社會與政治的浪潮下,其實廖建華更在乎那些平凡者、失敗者的身影與故事,也就有了日後針對抱持理想參與政治、想要改變世界而犧牲家庭、生活的庶民所拍攝的《狂飆一夢》。 當那些民主老兵失去舞台、意識到自己的時代過去了,而傷病、經濟等現實問題無可閃避,被打下來的人們如何面對失敗的事實,如何迎向人生的後半場,讓廖建華特別著迷。廖建華直言,他們的身上附著台獨的鬼魂、台灣的鬼魂、未盡之志的鬼魂。而人生始終無可逃躲,政治社會參與的激情並不會消解所有的問題,最後他們還是得回過頭與自身相處。 這也是廖建華拍完《狂飆一夢》的最大體悟:真實人生還是得要自己去真實面對。 小檔案 廖建華,獨立影像工作者,畢業於國立清華大學化工所。研究所時期開始嘗試影像拍攝,2015年完成紀錄片《末代叛亂犯》,入圍台灣國際紀錄片影展台灣競賽、台北電影獎紀錄片競賽、韓國DMZ紀錄片影展。創辦影像工作室,持續投入影像拍攝領域之中。《狂飆一夢》為最新紀錄長片作品,於2020年上映,並出版同名實體書。 創辦人:馬立群  監製:王姿佩  採訪:沈眠   攝影:馬立群 剪接:李信德 作品提供:廖建華
導演故事\我是種族主義者嗎 廖克發
08:34
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導演故事\我是種族主義者嗎 廖克發

生長於馬來西亞的華人導演廖克發,而後來台就讀國立台灣藝術大學電影系,學習電影製作。第一部紀錄片是尋找曾為馬共、身影曖昧模糊的祖父的《不即不離》,原為劇情片《菠蘿蜜》做電影背景,是以對馬共議題進行田調。但隨著他浸淫日深,素材累積的份量足夠,也就自成一部紀錄片。 馬共至今於馬來西亞仍是禁忌話題,廖克發採訪的對象大多不在馬來西亞,散居於泰國、中國與香港,過著不斷轉換身份的生活,隱藏著身世與革命的故事。 單純想要理解祖父為何加入馬共的廖克發,在《不即不離》完成的過程裡,持續發現當年左派運動是年輕人為了生命的迫切所需,對抗日本以及英國的殖民,想要更有尊嚴與自由,建立一個理想的社會,很自然甚至可以說是唯一的選擇。 廖克發認為,對政治事務的冷漠冷感,其來有自,並非所謂個人的選擇或立場,而是有一個久遠的脈絡發展──當推進、創造理想社會的人們沒有受到重視,其犧牲完全被扔擲於國家與歷史的敘事以外,未曾轉換為正義時,後來的人也就在長期的審查與壓抑中,被訓練、教導成無法信仰正義,難以想像更好也更平等的可能。 從回溯自身家庭到發掘整代馬共人淹沒歷史的《不即不離》,也就開啟了廖克發的第二部紀錄片《還有一些樹》,由馬來西亞1969年後見於郵件的戳章,進行對種族議題的深刻探討。 馬來西亞社會大致可分為馬來人、華人、印度人與原住民等。馬來西亞在脫離英國殖民獨立建國時,簽署了馬來人享有經濟與教育等的優惠特權,華人與印度人則是能享有公民權的協定。 而華人與馬來人種族衝突的513事件,肇因於反對黨在1969年全國選舉頭一回超越執政黨政府得票率,大肆慶祝遊行,引發馬來人的反感,也上街示威,最後演變成戒嚴,與及大規模屠殺事件。該戳章所註明的禁止散播謠言,即是不允許討論、質疑該事件,乃至馬來人在馬來西亞的特權。《還有一些樹》透過訪談與歷史資料,耙梳了513事件的始末,同時也凝視種族政策最底層受害者原住民的困境。 廖克發發覺,在華人被馬來人以及政府軍警慘烈殺害時,也知曉華人內部的自相殘殺,甚至及於華人對更少數,尤其是原住民族的剝削與壓迫。他乃對自己提問,會不會他也同樣是一名種族主義者?主要是他警省到,自身總是從華人是種族主義受害者的角度去思維,而罔顧其他被華人既得利益下的邊緣民族。而如此疑惑更拉高視野地思維著樹(自然環境)與人類的關係,特別是為了經濟開發,對原住民棲息地、森林的砍伐,透過樹的靜默與見證與原民祖先的洞穴探勘,也就隱隱有人類對自然的態度不也是種族主義作為的體會。 廖克發從幼年熱愛看牛仔電影說起,其時他對正義的想像,就是那些槍殺印第安人的西部牛仔皆是英雄。直至成人看了《與狼共舞》方才瞭解,印第安人是被壓迫的對象。 換言之,影像所造成的偏見遠大過於關於正義的探索。 廖克發強調,任何太方便、簡化的敘事跟立場,都是危險的。拍紀錄片必須有疑惑,明白沒有一種面向可以是全面性、全客觀的紀錄。活在複雜的世界,必須有多重、多部的聲音。單一故事永遠不夠,需要有很多故事與作品,討論同一個事情。說故事的權力掌握在誰身上這件事情,得保持懷疑。紀錄片工作者不能牢牢握住這種權力不放,要能時時刻刻反省自身的意圖與認知。這也是為何廖克發會謹慎對待受訪者,要重複確認他們是不是願意將受訪內容公諸於世。 小檔案 廖克發,1979年出生於馬來西亞怡保,實佻遠(Sitiawan)。就讀於國立新加坡大學商業學系,卻熱衷於文學創作以及出國遊學,曾獲大專文學獎。畢業後任教於新加坡小學四年後,來台學習電影製作,2011年畢業於國立台灣藝術大學電影系。兩部作品曾獲得台灣金穗獎最佳學生影片,曾獲最佳導演,並在2015年釜山國際影展獲得超廣角亞洲最佳短片。編劇作品長片劇本《菠蘿蜜漫長的飄香等待》,根據祖父二戰時參戰的生命故事改編,獲優等劇本獎;被選為2015法國南特影展,台北劇本工作坊。成立蜂鳥影像有限公司,製作劇情與紀錄影片。參與2013年的侯孝賢導演執導的金馬學院。曾任臺灣國家地理頻道攝影師。 拍攝的電影多與東南亞華人有關,其中紀錄片《不即不離》因涉及有關馬來亞共產黨的敏感歷史,在馬來西亞被全面禁演。2019年以劇情片《菠蘿蜜》入圍第56屆金馬獎最佳新導演,同年紀錄片《還有一些樹》也入圍金馬獎最佳紀錄片。 創辦人:馬立群  監製:王姿佩 採訪:沈眠 攝影/後製:馬立群 作品提供:廖克發  場地提供:倆人攝影棚
導演故事\為人生創造活路 卓翔
08:52
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導演故事\為人生創造活路 卓翔

迄今以戲曲文化為主題,卓翔拍攝了《乾旦路》、《一個武生》,與及入圍今年度金馬獎最佳紀錄片的《戲棚》。起初會注意到傳統戲曲,是因為白先勇製作的《青春版牡丹亭》,他莫名地非常受崑曲的聲音的吸引,而後就開始接觸戲曲文化。 《乾旦路》聚焦在王侯偉、譚穎倫如何想要並成為粵劇演員的過程,並深入探索兩人的困境。乾旦意指扮演花旦的男性。在粵劇裡,無論是生(男性)旦(女性)角色,大多由女性擔任,罕有男性成為旦角。 崑曲以才子佳人愛情故事為主流,武生也就被邊緣化,每年演出機會愈發銳減。《一個武生》便是敘述在中國走武生之路的楊陽,如何被困在體制裡,又是如何尋找自身的出路,走向實驗崑曲的創作。 卓翔聚焦在人物上,見證年輕戲曲表演者的故事,試圖擴大他們的聲音,讓更多人理解並看見。而這群青年仍舊堅守自己的領域與專業,面對宿命,不願屈服,爆發強烈的能量,在看似死路一條的人生裡,創造出自身的活路。 卓翔明白地指出,每個人都想當主角,但實際上大部分人都只能是配角,所以往往失落、無所適從。唯主角、配角都是標籤,若能看清事實,不被制式價值觀規範,找到最適合自己的角色與位置,人生就有活路,而在那條有限的活路上,自己也就是自己的主角。 在第三部戲曲紀錄片《戲棚》,卓翔用更全景觀、廣闊的視角去凝望戲曲場所與組織、製作人員乃及於觀眾的複雜關係。他不再以單一視角張望,而是紀錄更多人的樣貌。他自承,想要為空間畫畫,讓空間與畫面自身想說的話語自然地流露。於是,影片的觀點從更大的空間,逐漸縮小到一群人的演出與互動,最後定焦於幾名人物在戲棚的日常生活,暗合卓翔誰都可以是自己人生主角的思維。 整部影片沒有訪談,只有少數對話與粵劇表演段落,大部分時間都是對現場的直視,並還原當時的各種聲音,卓翔費盡心思收音與混音,想要帶領觀眾深入每一個角落,聆聽那些角落的多樣性聲音。《戲棚》並以大提琴為主的西式音樂為配樂。對聲音很敏感的卓翔坦言,他企圖用音樂貫穿影片的結構,藉由抽象的音符傳遞他面對戲棚所感受到的精神性。 小檔案 香港出生。畢業於香港演藝學院電影電視系,2009年參與首屆金馬電影學院。2012年聯合創立「映像先驗」。 曾執導兩部講述粵劇及崑劇的戲曲演員紀錄片《乾旦路》(2012) 及《一個武生》(2015),影片先後獲邀到倫敦、紐約、三藩市、芝加哥、波爾多及東京等地作公開放映;憑《乾旦路》獲「香港藝術發展獎」藝術新秀獎及「華語電影傳媒大獎」 最佳新導演提名。新作《戲棚》(2019) 入圍第56屆金馬獎最佳紀錄片。 2017 年獲邀到 Tokyo Arts and Space 作駐場藝術家,發展其劇場短編《He and I》。2018 年聯合導演作品《肖像曲》於香港大會堂劇場上演,與三位不同地域的表演藝術家(崑劇、能劇及歌劇) 共同合作,將紀錄影像延伸至舞台。 創辦人:馬立群 監製:王姿佩 採訪:沈眠 攝影師:吳姿瑩 剪接: 徐珮珊 作品提供:卓翔   場地提供:DOTEL Coffice Ximen西門町手沖咖啡館
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