盧彥中極其享受拍攝紀錄片期間、四處與人談話交際、融入當地的鬧熱節奏，以及進入後製時期關在工作室獨自挑選素材、剪片的美妙孤靜──如此兩極的、跳躍式的生活模式，為盧彥中所珍愛。 而他回頭去望自身童年，赫然發覺他是深受土台客爺爺與日式知識份子外公的影響。前者總是帶幼齡的他到處拜拜，講各種鄉野奇譚、幻麗故事給他聽，也就養成了盧彥中理解世界的方法。外公的學養風範，則導致他對藝術家抱有興趣。 畢業後，盧彥中先後跟隨黃明川、劉建偉、陳芯宜等紀錄片名導，擔任助理工作，期間對諸多藝術、文學大師，包含羅伯．威爾森（Robert Wilson）、林麗珍、林惺嶽、陳芳明進行拍攝，但盧彥中總是無法被這些人深刻觸動，於是他開始轉而追尋自己心目中的藝術家，如其作品《瘋顛狂書道班》中的軻三、《南島盛艷之花》被攝對象劉依蘭。 在軻三的書道班裡，盧彥中看到他讓鄉里間，諸如角頭、屠夫、退休的人、一般家庭主婦，甚至是7歲的國小學生都能在那邊唸詩、寫書法，紮根於市井生活裡。盧彥中認為這才是他的理想藝術家。盧彥中企圖以自身的眼光、理解與追索，去更新藝術家的定義──藝術不必在廟堂，就在江湖中、日常裡可覓可得。 而出身於菜市場的劉依蘭，以自畫像聞名，等身大、高吊在展場中、以龐然的眼珠俯瞰、讓觀者無可遁逃的畫作，有的拿花，也有拿骷髏頭，或與先生綁在一起中間有鎖，乃至劉依蘭跟她先生同困魚池等等塑造。對盧彥中來說，那些巨大自畫像彷若佛殿中的唐卡。尤其橫跨五聯幅的〈一個藝術家的愛．慾〉，藝術家更是將自我擴展至最大，使得盧彥中對其好奇不止，同時想要探詢究竟自我為何物。 至於以著名廣播人吳樂天為主角的《就是這個聲音》，主要是盧彥中想要追憶童年時的味道。在他少年時，幾乎人人聽吳樂天、簡直是背景音樂。他一邊紀錄吳樂天傳奇事蹟，一邊也想要重現過往時光新鮮活辣、充滿動物性的感官世界。 近作《開水喇嘛》起因於與盧彥中形同家人的貓火化後有舍利子，唯在台灣佛教系統裡，畜生不可能成佛。於是他向著外境求解，一路到了圖博區域。起初他對幾萬喇嘛們成天在山上念經完全不解，並不認為只要誦念就能讓世界變得更好。但在上師只要多一個人出家、也許世上就少去一個壞人的言談裡，盧彥中領悟到自己祇是以有限的眼光在對待世界。面向堅信每個人生來都是佛的藏傳佛教，盧彥中也就深沉感應到自己的宇宙觀被打開。 小檔案 盧彥中，Adiong LU, 台灣嘉義人，1984年生。一生謹記阿嬤囑咐之「肯種不畏無田犁」。作品有《今天我明天誰》、《你家是個動物園》、《南島盛艷之花》、《在光中》、《就是這個聲音》、《塩埕區長》、《開水喇嘛》等。善藉私民野史、藝術者、喧鬧者之日常描繪，挖掘漫漫人世之精神共業。鬧中取靜。2017年以二瘋僧之名，成立寒山拾得有限公司。現為盧鉢之父。 創辦人/導演：馬立群　　監製：王姿佩　　採訪：沈眠 攝影：馬立群 剪接：徐珮珊 作品提供：盧彥中 場地提供：寒山拾得有限公司

李惠仁2004年開始專注台灣禽流感疫情，拍攝《不能戳的祕密》揭開政府防疫漏洞。拍攝過程獨立採集死雞樣本、送檢，並透過專家學者的協助，一層層解讀政府、學者、雞農之間複雜的權力關係與隱瞞的真相。 近期作品《蘋果的滋味》、《并：控制》、《自由．飛》同時關注台、港、中媒體生態與民主發展，以紀錄片形式記錄這個時代的政治、經濟樣態。 《蘋果的滋味》藉由蘋果日報探討台灣媒體界生態的變化，並解讀狗仔文化對新聞製作的影響。拍攝過程中適逢台灣反媒體壟斷運動，進而揭露媒體背後的政治運作。 在《并：控制》中，李惠仁開始關注香港回歸中國二十年後的政治局勢變化，片中他藉由視障朋友的視角，以更為銳利角度揭露香港生活的變化。特別是對資訊控制的層面，他揭露了由政治的機構控制、人民之間的相互控制，再到個人的自我審查等不同控制階段的運作。 《自由．飛》記錄香港反送中事件，藉由香港追尋民主自由的運動，連結台灣戒嚴時期的民主運動。李惠仁坦言，台灣的民主還很幼稚，民眾普遍漠視政治對生活的影響，對於台灣民主得來不易的歷史發展，時常是健忘的。他希望透過紀錄片的方式，將這個時代與過去的歷史連結，保存台、港、中三地的歷史拼圖，提醒人們不要忘記民主的可貴。 小檔案 李惠仁，1969年生，為台灣知名紀錄片導演。李惠仁大學就讀實踐大學服裝設計系，畢業前決定退學。在服兵役期間進入空軍電影隊，開始接觸影片製作。退伍後進入傳統新聞媒體擔任攝影記者，40歲決定辭職，成為獨立紀錄片導演，成立李惠仁電影工作室。 作品《睜開左眼》榮獲2010年世界公視大獎INPUT BUDAPEST，《不能戳的祕密》榮獲卓越新聞獎，《不能戳的秘密2：國家機器》榮獲2014年台北電影節百萬首獎，作品獲獎無數。 ┄┄┄┄┄ 創辦人 馬立群　監製 王姿佩 採訪　 莊勝涵　剪接 徐珮珊 作品提供 李惠仁 場地提供 DOTEL #一影像專訪 #李惠仁 #紀錄片 #導演

學影像製作出身的黃嘉俊，原本打算退伍後要前往美國深造電影，但軍中生涯因921大地震發生後，前往救災，而有了截然不同的體悟與轉向。處在救災現場的他，眼前的煉獄景致開始讓他思考生命的價值究竟為何。親眼目睹災民的重建、修復過程，也黃嘉俊對生命的脆弱與堅強，有了一番深刻的感受，視野全然地被打開。於是，黃嘉俊對人產生了興趣，投身於紀錄片創作。 黃嘉俊想要再多凝視、傾聽不同人的故事，實際上參與被攝者生命裡頭的其中一段，也使得他如若多了另一截人生。黃嘉俊認為，每個人生命的寬度或深度都有限的，然則藉由紀錄片，它能夠真實地體驗到千百樣生命的模樣或生活的可能。且紀錄片的保存期限相當長，只要沒有另外一部片能夠凌駕已有作品的高度，它就會持續地觀看、討論，久遠地發酵，黃嘉俊深信這是紀錄片最大的價值。 他的第一部長片是《飛行少年》，主角們是安置機構裡面的孩子，由於身份比較敏感，過去幾乎罕有能夠進行拍攝的機會，大多必須馬賽克、變聲和化名處理。黃嘉俊沉痛地說明，在以菁英教育為主的現有體制下，有一些少年在不斷的分類與篩選下，落到最後方最下面，被人忽略，但這群人不會消失，他們終究存在，這是社會不得不面對的真相，因此萬分需要更多人去正視其人生。是故，黃嘉俊決心長期深入花蓮，與青少年們相處，在《飛行少年》裡探討青少年的成長與犯罪議題，他們跟家庭還有學校之間的關係等等。 而以罕病孩童爸爸所組成的搖滾樂團為主角的《一首搖滾上月球》，則是黃嘉俊對家庭、親情的在場目擊。他直接走進別人的家居日常，眼見那些情感在生死與共的相處或激烈摩擦中，一點一滴日積月累地醞釀、生長，察覺到父母的愛有多深、多濃。黃嘉俊也因此瞭解，人夫、人父這樣的角色是有意義的，他最後也選擇了結婚生子的道路，脫離原有熟悉與安逸的狀態，勇猛地踏進另一種的人生風景。 新作《男人與他的海》的被攝者，是海洋文學作家廖鴻基和水下鯨豚攝影師金磊，黃嘉俊跟著不同世代的兩人，深入海洋，包含2016年與廖鴻基執行黑潮漂流計畫，在台灣的東部，乘筏於太平洋上，隨著黑潮從南到北，漂流7天。黃嘉俊在海中見證了海洋的美麗，以及哀愁，如海底垃圾、海洋污染、魚與珊瑚的消滅。黃嘉俊以為海並不如一般台灣人認定的那般可怕、危險，只要海洋的能力與知識增進，其實海是安全的。他明白，海對台灣人而言是距離非常靠近，唯心理又是無比遙遠的領域，因此總是習慣性地恐懼海洋、背對海洋。但潛水等相關的海洋能力，都讓黃嘉俊對海有更多的感受，並思索著海洋與自身、台灣人的關係。《男人與他的海》對黃嘉俊而言，無疑是生命的壯遊。 小檔案 黃嘉俊，1974年出生，外號黑糖，世新大學廣電系電影組、台灣藝術大學應用媒體藝術研究所MFA。在紀錄片、廣告及戲劇拍攝工作之餘同時進行劇本、電影及純藝術創作，對人與社會的題材有敏銳的觀察。因為經歷921地震現場救災，讓他開始投入紀錄片拍攝創作，作品風格溫暖清新，卻有深刻沁人的厚度力量。黃嘉俊從事台灣影視幕後工作已有十年以上的資歷，擅於發掘無人接觸的新穎題材，以平易近人的創作風格，呈現自身對社會人文的細膩觀察。 2008年成立黑糖媒體創意公司，專事紀錄片、電視節目、廣告短片製作，同年推出個人首部紀錄長片《飛行少年》，獲頒台北電影獎最佳紀錄片；爾後作品也常受國內外影展好評。2013年，《一首搖滾上月球》也獲得了台北電影獎最佳觀眾票選獎及金馬獎最佳電影原創歌曲獎。作品另有《來得及說再見》，以及即將在2020年上映的新片《男人與他的海》。

楊力州生於彰化，其父親在農村裡以肖像畫為生活工具，一心想成為畫家，楊力州回憶他童年老家的客廳，總是擺滿50張以上未完成或已完成的遺照。耳濡目染下，楊力州從小也喜歡畫畫，一路升上復興美工，大學也是就讀美術系。唯漸漸的他就明白父親跟藝術界畫家的差異。大學時代因為繪畫比賽獲8萬元獎金的楊力州，買了人生第一台攝影機，從此他不再畫畫，脫離美術世界。 會有這樣的轉變，主要是因為楊力州開始接觸大量的電影，並著迷不已。尤其是台灣紀錄片導演吳乙峰描述白化症的《月亮的小孩》，觸動並啟蒙了楊力州，發現世界有一群人渴望被別人認識、知道他們是誰。 畢業後，楊力州在復興美工當了兩年老師，但對於將來的可預期感到不安，想到自己就要教書一輩子，人生的牌如此確定攤在眼前，毫無未知，30歲的他乃毅然決然離職，前往國立臺南藝術學院（現為國立臺南藝術大學）學電影。 多年後，2019年上映的《紅盒子》，主題是布袋戲傳承與父子關係，但楊力州自言，隱性子題是人如何成為自己。他坦率表示，他跟《紅盒子》的陳錫煌其實都一樣，想要成為自己，不活在父親的陰影下，只是他在大二時走向與父不同之路，而陳錫煌要到76歲時才邁向自我之途。且楊力州另有所悟，關於父親對他的期待，或是他自身的想像，是他少年時想要成為父親所期待成為的樣子，根本不是父親加諸於他。 因緣際會下，楊力州展開老人命題的紀錄片創作，一為失智失能老人的《被遺忘的時光》，楊力州企圖紀錄、呈現他們的世界的真實，與常人的世界的真實，彼此之間的巨大落差。另一則是老人家跳舞的《青春啦啦隊》，反向地看望健康老人如何走向晚年。兩者分別從不同角度捕捉、凝望老人的生活現狀與樣貌，楊力州希望能有更多的面向理解老人群體日常。 拍攝紀錄片時，楊力州會全神投入現場，拍完有難以抽身之感，他認為自己太難說再見，所以會持續關注被攝者後來的狀態，包含《奇蹟的夏天》那群踢足球的國中生們。楊力州提到，《奇蹟的夏天》首映後，對他們說過的一番話耿耿於懷多年，因為他在當下的勉勵是要年輕人們努力踢足球，但楊力州心知肚明台灣並沒有良好的足球環境。 7、8年後，楊力州前往台中觀看世足會外賽中華隊對越南隊，即便中華隊輸了，但在場11位足球員中有4名國手是《奇蹟的夏天》裡的中學生這件事，對楊力州而言，就已經是勝利了，至此，楊力州心中才能舒坦，不再感到愧疚憂愁。 小檔案 十五歲時希望可以成為畫家，卻在二十五歲時成為老師，本來以為會一直教到六十五歲退休，沒想到三十四歲時得到金鐘獎，接著三十七歲得到金馬獎，之後成為想都沒想過的導演。也因為拍片，他成為別人眼中的體育政策、老人議題、東南亞政策、偏鄉教育的專家，但其實他只會拍片，只喜歡好好說故事。 其紀錄片作品有《紅盒子》、《我們的那時此刻》、《拔一條河》、《青春啦啦隊》、《兩地：他們在島嶼寫作系列—林海音》、《被遺忘的時光》、《征服北極》、《水蜜桃阿嬤》、《奇蹟的夏天》、《新宿驛・東口以東》、《飄浪之女》、《我愛（080）》、《打火兄弟》等。 創辦人／馬立群 監製／王姿佩 採訪／沈眠 攝影／馬立群 後製／賴炫佑 作品提供／楊力州 場地提供：後場音像紀錄工作室有限公司 🎥官網 https://1imageart.com/ 🎥Youtube高畫質： http://bit.ly/2PVoJHu 🎥更多導演專訪： https://www.1imageart.com/cover-people #導演 ＃紀錄片 ＃一影像 ＃楊力州

高中時就寫詩的廖建華，對創作原就抱有高度熱情，大學時期他就讀工程科系，畢業之際對此生就要成為工程師感到迷惘與不安，而後開始接觸台灣新浪潮電影，對影像十分感興趣，研究所也展開相關的創作，包含拍系上工友的紀錄短片《移動的日晷》，以及與同學合作的《千甲》，探討社區支持型農業和都市原住民的生存處境。 廖建華坦言拍片的動機，其實是意圖擺脫成為工程師的生涯，想要以創作為生，而《末代叛亂犯》才是他的第一部作品，完全出於他的意識與掌控下的創作。之前的兩部比較是習作，但也讓他在實作中與各式錯誤裡獲得良多。 《末代叛亂犯》的主題是1991年5月發生的「獨台會案」，逮捕四名青年，並處以唯一死刑，而後引發社會各界的聲援，並在台北車站進行抗議，最終迫使立法院在九日內廢除了施行長達42年的懲治叛亂條例。廖建華經由影像重現該案的過程，以及後續的發展，進行多位相關人物的深入訪談，其中也有許多後來成為立委與部長的人物。 廖建華表示，以知識份子為主、進行公共領域回溯的《末代叛亂犯》，如同他的啟蒙，讓他看見且能深入更多自己所不知道的台灣，並從而察覺自己的關懷══在歷史、社會與政治的浪潮下，其實廖建華更在乎那些平凡者、失敗者的身影與故事，也就有了日後針對抱持理想參與政治、想要改變世界而犧牲家庭、生活的庶民所拍攝的《狂飆一夢》。 當那些民主老兵失去舞台、意識到自己的時代過去了，而傷病、經濟等現實問題無可閃避，被打下來的人們如何面對失敗的事實，如何迎向人生的後半場，讓廖建華特別著迷。廖建華直言，他們的身上附著台獨的鬼魂、台灣的鬼魂、未盡之志的鬼魂。而人生始終無可逃躲，政治社會參與的激情並不會消解所有的問題，最後他們還是得回過頭與自身相處。 這也是廖建華拍完《狂飆一夢》的最大體悟：真實人生還是得要自己去真實面對。 小檔案 廖建華，獨立影像工作者，畢業於國立清華大學化工所。研究所時期開始嘗試影像拍攝，2015年完成紀錄片《末代叛亂犯》，入圍台灣國際紀錄片影展台灣競賽、台北電影獎紀錄片競賽、韓國DMZ紀錄片影展。創辦影像工作室，持續投入影像拍攝領域之中。《狂飆一夢》為最新紀錄長片作品，於2020年上映，並出版同名實體書。 創辦人：馬立群　　監製：王姿佩　　採訪：沈眠　　 攝影：馬立群　剪接：李信德 作品提供：廖建華

生長於馬來西亞的華人導演廖克發，而後來台就讀國立台灣藝術大學電影系，學習電影製作。第一部紀錄片是尋找曾為馬共、身影曖昧模糊的祖父的《不即不離》，原為劇情片《菠蘿蜜》做電影背景，是以對馬共議題進行田調。但隨著他浸淫日深，素材累積的份量足夠，也就自成一部紀錄片。 馬共至今於馬來西亞仍是禁忌話題，廖克發採訪的對象大多不在馬來西亞，散居於泰國、中國與香港，過著不斷轉換身份的生活，隱藏著身世與革命的故事。 單純想要理解祖父為何加入馬共的廖克發，在《不即不離》完成的過程裡，持續發現當年左派運動是年輕人為了生命的迫切所需，對抗日本以及英國的殖民，想要更有尊嚴與自由，建立一個理想的社會，很自然甚至可以說是唯一的選擇。 廖克發認為，對政治事務的冷漠冷感，其來有自，並非所謂個人的選擇或立場，而是有一個久遠的脈絡發展──當推進、創造理想社會的人們沒有受到重視，其犧牲完全被扔擲於國家與歷史的敘事以外，未曾轉換為正義時，後來的人也就在長期的審查與壓抑中，被訓練、教導成無法信仰正義，難以想像更好也更平等的可能。 從回溯自身家庭到發掘整代馬共人淹沒歷史的《不即不離》，也就開啟了廖克發的第二部紀錄片《還有一些樹》，由馬來西亞1969年後見於郵件的戳章，進行對種族議題的深刻探討。 馬來西亞社會大致可分為馬來人、華人、印度人與原住民等。馬來西亞在脫離英國殖民獨立建國時，簽署了馬來人享有經濟與教育等的優惠特權，華人與印度人則是能享有公民權的協定。 而華人與馬來人種族衝突的513事件，肇因於反對黨在1969年全國選舉頭一回超越執政黨政府得票率，大肆慶祝遊行，引發馬來人的反感，也上街示威，最後演變成戒嚴，與及大規模屠殺事件。該戳章所註明的禁止散播謠言，即是不允許討論、質疑該事件，乃至馬來人在馬來西亞的特權。《還有一些樹》透過訪談與歷史資料，耙梳了513事件的始末，同時也凝視種族政策最底層受害者原住民的困境。 廖克發發覺，在華人被馬來人以及政府軍警慘烈殺害時，也知曉華人內部的自相殘殺，甚至及於華人對更少數，尤其是原住民族的剝削與壓迫。他乃對自己提問，會不會他也同樣是一名種族主義者？主要是他警省到，自身總是從華人是種族主義受害者的角度去思維，而罔顧其他被華人既得利益下的邊緣民族。而如此疑惑更拉高視野地思維著樹（自然環境）與人類的關係，特別是為了經濟開發，對原住民棲息地、森林的砍伐，透過樹的靜默與見證與原民祖先的洞穴探勘，也就隱隱有人類對自然的態度不也是種族主義作為的體會。 廖克發從幼年熱愛看牛仔電影說起，其時他對正義的想像，就是那些槍殺印第安人的西部牛仔皆是英雄。直至成人看了《與狼共舞》方才瞭解，印第安人是被壓迫的對象。 換言之，影像所造成的偏見遠大過於關於正義的探索。 廖克發強調，任何太方便、簡化的敘事跟立場，都是危險的。拍紀錄片必須有疑惑，明白沒有一種面向可以是全面性、全客觀的紀錄。活在複雜的世界，必須有多重、多部的聲音。單一故事永遠不夠，需要有很多故事與作品，討論同一個事情。說故事的權力掌握在誰身上這件事情，得保持懷疑。紀錄片工作者不能牢牢握住這種權力不放，要能時時刻刻反省自身的意圖與認知。這也是為何廖克發會謹慎對待受訪者，要重複確認他們是不是願意將受訪內容公諸於世。 小檔案 廖克發，1979年出生於馬來西亞怡保，實佻遠（Sitiawan）。就讀於國立新加坡大學商業學系，卻熱衷於文學創作以及出國遊學，曾獲大專文學獎。畢業後任教於新加坡小學四年後，來台學習電影製作，2011年畢業於國立台灣藝術大學電影系。兩部作品曾獲得台灣金穗獎最佳學生影片，曾獲最佳導演，並在2015年釜山國際影展獲得超廣角亞洲最佳短片。編劇作品長片劇本《菠蘿蜜漫長的飄香等待》，根據祖父二戰時參戰的生命故事改編，獲優等劇本獎；被選為2015法國南特影展，台北劇本工作坊。成立蜂鳥影像有限公司，製作劇情與紀錄影片。參與2013年的侯孝賢導演執導的金馬學院。曾任臺灣國家地理頻道攝影師。 拍攝的電影多與東南亞華人有關，其中紀錄片《不即不離》因涉及有關馬來亞共產黨的敏感歷史，在馬來西亞被全面禁演。2019年以劇情片《菠蘿蜜》入圍第56屆金馬獎最佳新導演，同年紀錄片《還有一些樹》也入圍金馬獎最佳紀錄片。 創辦人：馬立群　　監製：王姿佩 採訪：沈眠 攝影／後製：馬立群 作品提供：廖克發　　場地提供：倆人攝影棚

迄今以戲曲文化為主題，卓翔拍攝了《乾旦路》、《一個武生》，與及入圍今年度金馬獎最佳紀錄片的《戲棚》。起初會注意到傳統戲曲，是因為白先勇製作的《青春版牡丹亭》，他莫名地非常受崑曲的聲音的吸引，而後就開始接觸戲曲文化。 《乾旦路》聚焦在王侯偉、譚穎倫如何想要並成為粵劇演員的過程，並深入探索兩人的困境。乾旦意指扮演花旦的男性。在粵劇裡，無論是生（男性）旦（女性）角色，大多由女性擔任，罕有男性成為旦角。 崑曲以才子佳人愛情故事為主流，武生也就被邊緣化，每年演出機會愈發銳減。《一個武生》便是敘述在中國走武生之路的楊陽，如何被困在體制裡，又是如何尋找自身的出路，走向實驗崑曲的創作。 卓翔聚焦在人物上，見證年輕戲曲表演者的故事，試圖擴大他們的聲音，讓更多人理解並看見。而這群青年仍舊堅守自己的領域與專業，面對宿命，不願屈服，爆發強烈的能量，在看似死路一條的人生裡，創造出自身的活路。 卓翔明白地指出，每個人都想當主角，但實際上大部分人都只能是配角，所以往往失落、無所適從。唯主角、配角都是標籤，若能看清事實，不被制式價值觀規範，找到最適合自己的角色與位置，人生就有活路，而在那條有限的活路上，自己也就是自己的主角。 在第三部戲曲紀錄片《戲棚》，卓翔用更全景觀、廣闊的視角去凝望戲曲場所與組織、製作人員乃及於觀眾的複雜關係。他不再以單一視角張望，而是紀錄更多人的樣貌。他自承，想要為空間畫畫，讓空間與畫面自身想說的話語自然地流露。於是，影片的觀點從更大的空間，逐漸縮小到一群人的演出與互動，最後定焦於幾名人物在戲棚的日常生活，暗合卓翔誰都可以是自己人生主角的思維。 整部影片沒有訪談，只有少數對話與粵劇表演段落，大部分時間都是對現場的直視，並還原當時的各種聲音，卓翔費盡心思收音與混音，想要帶領觀眾深入每一個角落，聆聽那些角落的多樣性聲音。《戲棚》並以大提琴為主的西式音樂為配樂。對聲音很敏感的卓翔坦言，他企圖用音樂貫穿影片的結構，藉由抽象的音符傳遞他面對戲棚所感受到的精神性。 小檔案 香港出生。畢業於香港演藝學院電影電視系，2009年參與首屆金馬電影學院。2012年聯合創立「映像先驗」。 曾執導兩部講述粵劇及崑劇的戲曲演員紀錄片《乾旦路》(2012) 及《一個武生》(2015)，影片先後獲邀到倫敦、紐約、三藩市、芝加哥、波爾多及東京等地作公開放映；憑《乾旦路》獲「香港藝術發展獎」藝術新秀獎及「華語電影傳媒大獎」 最佳新導演提名。新作《戲棚》(2019) 入圍第56屆金馬獎最佳紀錄片。 2017 年獲邀到 Tokyo Arts and Space 作駐場藝術家，發展其劇場短編《He and I》。2018 年聯合導演作品《肖像曲》於香港大會堂劇場上演，與三位不同地域的表演藝術家(崑劇、能劇及歌劇) 共同合作，將紀錄影像延伸至舞台。 創辦人：馬立群　監製：王姿佩 採訪：沈眠 攝影師：吳姿瑩 剪接： 徐珮珊 作品提供：卓翔　　 場地提供：DOTEL Coffice Ximen西門町手沖咖啡館

現居住於法國巴黎的黃邦銓，以《回程列車》、《去年火車經過的時候》備受矚目，屢獲大獎，尤其是後者奪得台北電影獎―百萬首獎，並入圍本年度金馬獎最佳紀錄片。 《回程列車》係從一秒一格的底片放映開始，黃邦銓佐以法語旁白，講述「他」與「我」的雙線故事，並使底片加速，趨近於一秒24格，最終為一秒24格、望海的動態錄影。「我」的敘事，是黃邦銓帶250捲底片、總共4公斤，從巴黎搭火車，一路跨越歐洲、西伯利亞、亞洲，直抵中國廈門，途中所見所想。而「他」的支線則是細部放大一張黃邦銓爺爺站在軌道旁的舊照片，並交代了爺爺從中國逃離至臺灣的回憶。 《去年火車經過的時候》則是在充滿速度感的火車上，於臺灣南部，拍攝路邊的住家，總共200多戶，黃邦銓洗出照片，隔年前往其中的35戶人家訪問，而後挑出5戶做成影片。最後影片收尾於蟬叫聲轟然、迷人如星空降臨的3D場景，慢慢由負片轉成正片，而後復原為現實中的山間小屋，一如回憶的定格。有趣的是，《回程列車》也有從黑白靜態影像，轉回彩色動態影像的概念。兩部影片的結構同樣從白天到晚上，又回到日出。喜歡跟著太陽拍攝的黃邦銓經由觀眾的提醒發現，這暗合於西洋美術、藝術史的變動，亦即對光的追尋。 黃邦銓直言，訪談完全沒有進行任何排演，影片也是按著時序剪接。黃邦銓坦蕩蕩地敘述，《去年火車經過的時候》就是田調，而田調的過程本身就是作品，無須造假或偽裝。 自認備受塔可夫斯基《雕刻時光》影響的黃邦銓強調，最真實的，最美，也最有力量。他認為希望觀眾入戲是荒謬的。是以，他的兩部作品都採取畫外音的形式，以自身說明的方法，讓電影行進。他想要竭盡所能地誠實，尊重電影藝術。 在訪談過程到側拍階段，黃邦銓也都溫和的、但堅持住不做作的態度，包含言談，皆有自覺地對抗制式。他亦無意圖放大攝影與電影的神聖使命。對黃邦銓來說，這些都只是他剛好做得來、也覺得有趣的事。 小檔案 黃邦銓，1988年生於臺灣高雄，畢業於台中科技大學、法國巴黎索邦第三大學電影系畢業，曾參與里爾「Le Fresnoy國家當代藝術工作室」創作培訓計畫，並受匈牙利電影大師貝拉塔爾（Béla Terr）指導。 其作品以回憶、旅行和傳統底片三種元素構成。《回程列車》與《去年火車經過的時候》兩部作品連續兩年獲得法國克萊蒙費實驗競賽首獎，並於盧卡諾、IDFA阿姆斯特丹國際紀錄片及MoMA紀錄片雙洲等國際影展放映。 2017年《回程列車》入選高雄電影節國際短片競賽，新作《去年火車經過的時候》入選2019年「紐約現代藝術博物館」紀錄片雙週影展，榮獲第21屆台北電影獎―百萬首獎以及最佳短片，並入圍第56屆金馬獎最佳紀錄片。